Las 10 Obras De Arte Más Influyentes De Los Años 1920 Y 1930
El artista nacido en Missouri Thomas Hart Benton rinde homenaje a su ciudad adoptiva de Nueva York en esta composición de aceite, presentando una vista de pájaro del Madison Square Park. Reconocido internacionalmente como pionero del movimiento de arte regionalista, Benton estudió el espacio urbano en
Nueva York, principios de los años veinte (1920-24), representando personas en movimiento que están pintadas como figuras oscuras. Al pasar ante vehículos estacionarios, estas figuras capean la oscura tormenta que se forma sobre los imponentes rascacielos y la bandera estadounidense. El clima tempestuoso se establece durante un período de inquietud personal y profesional para Benton como simpatizante izquierdista. 'Nueva York, principios de los años veinte' | © Thomas Hart Benton / WikiCommons
Menin Gate At Midnight (1927)
Will Longstaff representa el monumento a la guerra de Menin Gate en Ypres (también conocido como
Ghosts of Menin Gate ) forma parte de una colección en el Australian War Memorial en Canberra. La composición captura los espíritus de los soldados que marchan al unísono a través de un campo de maíz bajo un cielo de noche índigo. Después de asistir a la inauguración de Menin Gate en julio de 1927, Longfield afirmó haber tenido una aparición de las tropas con casco de acero. El artista regresó a su casa en Londres y completó su tributo de una vez. Las amapolas rojas en primer plano representan la sangre derramada durante la Primera Guerra Mundial y el monumento de piedra caliza a la izquierda muestra una entrada oscura y siniestra. Los edificios están salpicados en el horizonte lejano (con luz intermitente) lo que sugiere que el área está bajo un escrutinio cercano. 'Menin Gate at Midnight' | © Will Longstaff / WikiCommons
Chop Suey (1929)
La imagen del realismo social de Edward Hopper está compuesta por una composición de rectángulos geométricos multicolores y representa una escena dentro de un restaurante chino. En el primer plano del centro hay dos mujeres (ambas basadas en la esposa de Hopper, Josephine) que parecen tener una relación ambigua. Se reflejan el comportamiento solitario y distante de cada uno a través de una mesa brillante con sombreros de campana verde y morado. No hay interacción táctil, y la dama de verde esconde sus manos de forma defensiva debajo de la mesa, lo que sugiere inquietud. Las cuatro figuras representadas se reúnen para un evento social, pero la ironía radica en una falta mutua de interés y espontaneidad, que se filtra a través de sus expresiones faciales separadas. Un hombre en el fondo hablando con una amiga parece disfrutar de su cigarrillo más que su cita. Hopper capta la soledad de cada persona a pesar de estar en un espacio abierto público. Se ve una mezcla de luz natural y artificial en toda la composición; el sol se refleja en la cartelera directamente sobre las mesas blancas y la mujer en verde, dándole una palidez fantasmal.
'Chop Suey' | © Volatile / WikiCommons
Historia de México (1929-35)
Financiado por el gobierno mexicano, el mural de Diego Rivera tardó seis años en completarse, y se puede encontrar en la escalera del Palacio Nacional (
Palacio Nacional ) en la Ciudad de México. Diego presentó una narrativa al público que retrató con simpatía a los indios como la minoría oprimida, embrutecida por los españoles. Compuesto por cuatro secciones, las piezas más grandes del mural se encuentran a 70 metros (229,7 pies) por 9 metros (29,5 pies). El Muro Norte está dedicado a una representación de la cultura azteca, incorporando un sol simbólico (el centro de la religión azteca) con una pirámide y un líder azteca debajo de él. El Muro Occidental representa la historia de la guerra, con Cortés y los ejércitos españoles derrotando a las fuerzas enemigas y aztecas. El Muro del Sur representa todo lo que Rivera amaba y se inspiraba, desde la bandera comunista roja hasta el socialista Karl Marx y la artista y esposa Frida Kahlo junto a su hermana Cristina (la única amante de Diego). Los escolares están representados en la sección, simbolizando la paz, la unidad y el progreso futuro en la sociedad. Una porción de 'Historia de México' | © Diego Rivera / WikiCommons
La persistencia de la memoria (1931)
Tomando inspiración de Freud y sus enseñanzas del psicoanálisis, Salvador Dalí creó este surrealista a principios de la década de 1930. Un reloj que se derrite suavemente cuelga de la rama de un árbol en primer plano a la izquierda, lo que tal vez demuestra que el tiempo está desproporcionado. La babosa en el primer plano central es representativa del perfil distintivo de Dalí, una figura abrumada por el tiempo, enmarcada por pestañas similares a insectos. El uso de las hormigas por parte de Dalí en la esfera de un reloj en primer plano a la izquierda enfatiza la sensación de descomposición y destrucción en el árido paisaje. Dalí incorpora las características del paisaje accidentado de la península de Cap de Creus y el Monte Pani desde su Cataluña natal. Originalmente expuesta en la Galería Julien Levy en 1932,
La persistencia de la memoria (1931) se exhibió en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York desde 1934. Persistencia de la memoria de Salvador Dalí litografía se muestra en una exposición en Fort Worth, Texas | © JENNIFER LONG / AP / REX / Shutterstock
Fuego en la luna llena (1933)
Fuego en la luna llena
(1933) fue producido por el artista suizo-alemán Paul Klee durante un período socio-político disturbios en Europa en relación con la sucesión de Hitler como Canciller alemán. Como profesor de arte en la Academia de Düsseldorf y habiendo sido presumiblemente judío, Klee sufrió a manos de soldados nazis, quienes saquearon su casa. Perdió su trabajo y comenzó a sufrir de esclerodermia, que eventualmente resultaría fatal. La rica composición de Fuego en la Luna Llena se construye a través de un tapiz cúbico y geométrico de pesados bloques de colores que representan los vastos campos del campo. Un gran sol amarillo domina el vibrante paisaje sobre la esquina superior izquierda. Una cruz roja brillante en la parte superior derecha del marco tiene el doble propósito de representar a la Cruz Roja mientras que también se destaca como una gran 'lápida', que significa muerte. 'Fuego en luna llena', 1933 'Paul Klee: Making Visible 'exposición, Tate Modern, Londres, Gran Bretaña | © Mark Thomas / REX / Shutterstock
Madre migrante (1936)
La fotógrafa Dorothea Lange captó perfectamente la preocupación y desesperación de Florence Owens Thompson, una mujer que enfrentaba un futuro incierto como ciudadana estadounidense sin hogar durante la Gran Depresión. Entonces, Florence, de 32 años, era una madre viuda y un trabajador agrícola indigente. Dos de los niños abatidos de Florence cuelgan de sus hombros, sus caras oscurecidas. Florence mira a su derecha consumida por la preocupación, con las cejas fruncidas, juntando su barbilla. Esta instantánea icónica es una de las seis que Lange tomó durante su tiempo en un campamento de recolectores de guisantes en Nipomo Mesa, California.
'Madre migrante', Dorothea Lange, 1936 | © Granger / REX / Shutterstock
Guernica (1937)
Con aproximadamente 11 pies (tres metros) de altura y 25 pies (ocho metros) de ancho, el
Guernica (1937) de Pablo Picasso usa bloques monocromos de gris, blanco y negro para reflejar el sombrío espectro de la muerte y la destrucción. Esta composición abstracta rinde homenaje a los ciudadanos muertos y gravemente heridos por las bombas lanzadas en la ciudad de Guernica, en el norte de España, durante la Segunda Guerra Mundial. Los animales y humanos aterrorizados tienen los ojos abiertos de par en par y se abren con las extremidades entrelazadas en el ataque. El dolor y la angustia de las víctimas se refleja en la imagen de una madre con un niño sin vida en brazos, gritando de dolor por su pérdida. Una figura masculina yace en el suelo en el primer plano debajo, sus extremidades mutiladas por municiones caídas, sosteniendo una espada rota para protegerse. La bombilla en el primer plano superior izquierdo refleja el sol "artificial" sobre el paisaje oscurecido lleno de carnicería y destrucción. Los recortes de periódico están impresos en las extremidades de un caballo aterrorizado que ha sido lacerado con una lanza en el costado. Un toro queda atrapado en el derramamiento de sangre, representando El Toro , el emblema nacional no oficial de España. Una mujer mira a 'Guernica' de Pablo Picasso | © AP / REX / Shutterstock
El autorretrato del artista surrealista Frida Kahlo de Dos Fridas (1939)
fue creado en un año de confusión personal; ella se había divorciado de su esposo Diego Rivera y había sufrido otros traumas personales. Las dos Fridas se unen como gemelas, unidas por el suministro de sangre al corazón, tomados de la mano. A la izquierda vemos una Frida con un vestido tradicional de color blanco
tehuana (el blanco es el color mexicano del duelo), cubierto de sangre por sus exitosos intentos de cortar su linaje con un par de tijeras de pincher. La arteria principal está cortada, tal vez enfatizando su corazón roto. Ella es apoyada por la más sana Frida, cuyo corazón está lleno y cuyas prendas multicolores indican calidez y vitalidad. La angustia emocional de Frida está indicada en el fondo con nubes de tormenta reuniéndose en el horizonte. 'Las dos Fridas', Frida Kahlo | © Gianni Dagli Orti / REX / Shutterstock
The Morning Star (from Constellations) (1939)
El artista catalán Joan Miró comenzó una serie de 23 imágenes llamadas
Constellations en 1939 con la esperanza de explorar su fascinación por poder, constelaciones y el universo exterior usando mapas astrales (todo lo cual proporcionó un bienvenido alivio de la guerra en tierra). Miró sugiere que le gustaría tomar la forma de un pájaro, lejos del derramamiento de sangre bajo el poder de la Alemania nazi en toda Europa. Al formar un rompecabezas abstracto, pequeñas rebanadas de colores primarios se tejen libremente en las esquinas de la composición. El fondo está suavemente apagado con un fondo de color rosa salmón y azul claro.
