10 Artistas Femeninas Contemporáneas De La India
Shilpa Gupta
Examinando una variedad de temas, desde la cultura del consumidor hasta el deseo, la seguridad, la religión, el nacionalismo y los derechos humanos, las prácticas interdisciplinarias de Shilpa Gupta utilizan video interactivo. fotografía, instalación y arte de performance, a menudo confiando en la participación de la audiencia. Funcionando como un videojuego interactivo, su serie de proyecciones de video titulada Shadow (1, 2 y 3) incorpora las sombras simuladas de los espectadores, capturadas por una cámara en vivo. Las sombras se proyectan en la pantalla blanca e interactúan con otras sombras creadas por objetos, muñecas, casas, pájaros y otras figuras que bailan, saltan y caminan. Gupta es una de una joven generación de artistas indios cuyo trabajo responde a las divisiones sociales poscoloniales del país. A menudo desenfoca, vuelve a dibujar y borra los límites geopolíticos, como en 100 Hand-drawn Maps of India (2007-2008), compuesto por mapas dibujados a mano por los espectadores de la memoria, o su trabajo sin título que representa una bandera amarilla de cinta de policía que dice: "No hay frontera aquí".
Bharti Kher
El adorno preestablecido bindi - una decoración tradicional de la frente india - es central a la práctica de Bharti Kher, e invita a significados ambivalentes, oscilando entre la tradición y la modernidad. Kher se nutre de la creación de obras de arte que representan malas interpretaciones, conceptos erróneos, conflictos, multiplicidad y contradicciones, explorando el drama humano y la vida contemporánea. El bindi aparece en sus pinturas, así como en sus instalaciones escultóricas, desafiando el papel de la mujer en un país tradicional, y haciendo referencia a su significado espiritual tradicional del "tercer ojo". Su La piel habla un idioma no propio (2006) representa un elefante de fibra de vidrio muerto o moribundo cubierto de bindis brillante . Su trabajo se relaciona aún más con cuentos alegóricos, criaturas fantásticas, bestias mágicas y monstruos místicos, como se ve en otras piezas basadas en animales como Delitos menores . Una ausencia de una causa asignable (2007) es una réplica de tamaño natural del corazón de una ballena azul, basada en la imaginación del artista, enfatiza la idea romántica de un "gran corazón" y los misterios que unen al corazón con los conceptos de amor, vida y muerte.
Bharti Kher: una ausencia de causa asignable | © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Con el papel como medio principal y un vocabulario minimalista rico en asociaciones, Zarina Hashmi crea obras abstractas que resuenan con sus experiencias de exilio y desposesión y el concepto de hogar, ya sea que es personal, geográfico, nacional, espiritual o familiar. Su obra contemplativa y poética incluye xilografías, aguafuertes, dibujos y moldes hechos de pulpa de papel. Sus líneas artesanales y caligráficas constituyen un elemento unificador en sus composiciones. El lenguaje es fundamental para el artista. Letters from Home (2004) presenta una serie de impresiones basadas en cartas de su hermana Rani, que vive en Pakistán. En una entrevista en video de Tate, Zarina relata cómo recibir esas cartas la ayudó a preservar un sentido de identidad. El urdu escrito a mano se superpone con mapas y planos de casas y lugares distantes, con la sombra de momentos significativos e impresiones de lugares relevantes para la vida de su familia.
Nalini Malani
El concepto del límite trascendido está en el corazón de Nalini La práctica de Malani, que se basa en la literatura, la mitología, la historia y la vida personal para crear arte con relevancia en todas las culturas. Desde dibujos hasta pinturas, animación proyectada, juegos de sombras, videos y películas, el artista yuxtapone la tradición con elementos modernistas para abordar cuestiones apremiantes pertenecientes a la sociedad contemporánea. Su familia se vio afectada por la Partición de 1947, un tema que es querido por Malani, como se ve en Recordando a Toba Tek Singh (1998) , un video inspirado en la historia corta del mismo título de Sadat Hasan Manto. Malani usa el simbolismo de la muerte de Bishen Singh: un paciente mental que, al negarse a mudarse a la India durante la Partición, muere en tierra de nadie entre las dos fronteras. Malani, entonces, está explorando los efectos de Partition en la vida de las personas y extiende esta exploración al efecto de las pruebas nucleares en Pokhran, Rajasthan. El interés de Malani en Cassandra radica en su creencia de que cada uno de nosotros tiene intuiciones e instintos. Su exposición 2014 titulada Regalo de Cassandra en la Galería de Arte Vadehra se centró en la posibilidad de que la humanidad prevea los acontecimientos del futuro y realmente "escuche" lo que está sucediendo a su alrededor.
Rina Banerjee
Un amor de sustancia, tela y textura, junto con la experiencia de vivir en comunidades de ubicaciones culturales y raciales mixtas, proporcionan la base para las obras poéticas multimedia de Rina Banerjee. Ella define su obra como una exploración de "momentos coloniales específicos que reinventan el lugar y la identidad como experiencias diaspóricas complejas entrelazadas ya veces surrealistas". Banerjee crea ensamblajes coloridos de textiles, artículos de moda, objetos coloniales, muebles, taxidermia y materiales orgánicos, provenientes de las tiendas de chatarra de Nueva York y reconfigurados en objetos imbuidos de un nuevo significado. Los materiales inusuales incluyen caimanes taxidermied, cunas de madera, huesos de pescado, huevos de avestruz, plumas y muebles antiguos. Si bien la hibridez de sus obras es un reflejo de su origen cosmopolita, el lenguaje visual que crea está arraigado en la mitología y los cuentos de hadas. Llévame, llévame ... al Palacio del Amor (2003) es una instalación que se exhibió en el Musée Guimet de París en 2011. Articulando un discurso sobre sus orígenes y la visión occidental orientalista del Este, comprendía un pabellón de plástico rosa hecho en forma de Taj Mahal para evocar una vista de la India a través de rosa con gafas, características de la presencia colonial británica en la India, con un ensamblaje central de materiales "exóticos".
Dayanita Singh
Creando narraciones curiosas de la vida cotidiana a través del medio fotográfico, Dayanita Singh da expresión visual a un paisaje que yuxtapone la imaginación del artista con el mundo real. Sus fotografías en blanco y negro se presentan en una instalación titulada Museum, , así como en su medio favorito: el libro. El papel tiene un significado particular para Singh. El artista retrata a todos, desde la clase alta hasta los márgenes de la sociedad, dando una visión gran angular de la India contemporánea. Mona Ahmed es una figura recurrente en su trabajo; desde su primer encuentro en 1989 en una comisión para el London Times - un eunuco que vivía en un cementerio en Old Delhi, un doble paria rechazado por su familia y por la comunidad de eunucos. La representación de Singh de Mona es una exploración de aquellos con identidades fragmentadas y una falta de sentido de pertenencia, que es el tema del libro Myself Mona Ahmed . La House of Love de Singh desdibuja la línea entre el libro de fotografía y la ficción literaria, con imágenes acompañadas de poesía y prosa que narran nueve historias cortas. Los "museos" portátiles, como el File Museum (2013) o el Museum of Chance (2014), son estructuras de madera grandes que se pueden organizar en diferentes configuraciones, que se almacenan entre 70 a 140 fotografías. Esta 'foto-arquitectura', como la llama Singh, le permite visualizar, editar y archivar imágenes sin fin.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat a menudo incorpora más de un medio en una sola obra de arte. La obra de Kallat se relaciona con los ciclos interminables de la naturaleza y la fragilidad de la condición humana, reflejando los constantes cambios entre el nacimiento, la muerte y el renacimiento; construir y colapsar, derrotar y resurgir. Con frecuencia trabaja con nombres registrados o registrados oficialmente: personas, objetos o monumentos que se perdieron o desaparecieron sin dejar rastro. Un motivo recurrente en su práctica es el sello de goma, un símbolo de control y del aparato burocrático, un "estado sin rostro" que oscurece y confirma las identidades. Kallat ha estado usando sellos de goma desde 2003, invirtiendo sus trabajos con ironía. En Falling Fables, usó estampillas con las direcciones de los monumentos desaparecidos protegidos bajo el Archeological Survey of India, creando formas de ruinas arquitectónicas, llamando la atención sobre el estado de colapso y fractura de la memoria colectiva que ocurre en la India y en todo el mundo hoy en día. En 2013, ella creó Sin título (Telaraña / Cruces) , una telaraña en la fachada del Museo Bhau Daji Lad en Mumbai. Su creación se compone de una tonelada de sellos de goma que llevan los nombres anteriores de las calles que rodean el museo y destaca las historias perdidas. Kallat utilizó previamente el motivo de la web para abordar cuestiones de migración y quienes la controlan. En 'Untitled (Map / Drawing)', un intrincado mapa del mundo hecho con cables y accesorios eléctricos rastrea las rutas migratorias de trabajadores a menudo ocultas.
[K] Reena Saini Kallat - Sin título (2008) - Detalle | © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
A través de la fotografía y la instalación escultórica, Hema Upadhyay interactúa con las nociones de identidad personal, pertenencia, dislocación, nostalgia y género, reflexionando sobre el estado contemporáneo de Mumbai, una metrópoli con su multiculturalidad de movimientos migratorios. Una obra recurrentemente autobiográfica incluye imágenes de ella misma, como si estuviera buscando su propio lugar dentro de la ciudad, a lo que se vio obligada a emigrar con su familia durante la Partición. En su primera exposición individual, Sweet Sweat Memories (2001), presentó obras que hablaban de sentimientos de alienación y pérdida. La serie presentaba fotografías en miniatura de ella pegadas en pinturas que representaban las perspectivas aéreas y subalternas de Mumbai como una nueva ciudad abrumadora.
Sheela Gowda
Incorporando escultura, arte de instalación y fotografía que muestra la India urbana y rural, Sheela Gowda crea obras utilizando materiales cotidianos, incluidos objetos y materiales encontrados y reciclados como estiércol de vaca, rojo kumkum (cúrcuma), incienso, cabello humano, hoja de oro, tintes ceremoniales y materiales domésticos como fibras de coco, agujas, hilos y cordón. La práctica de Gowda depende en gran medida de su proceso, que borra los límites entre arte y artesanía, y cuestiona el papel de la subjetividad femenina en el contexto de religión, nacionalismo y violencia que constituye la India contemporánea. Y cuéntele a mi Dolor (2001) empleó más de 100 metros de hilo enrollado teñido de rojo kumkum, suspendido y cubierto a través del espacio para formar un dibujo tridimensional. El trabajo hace referencia a la cultura india de las especias y la industria textil, tradicionalmente partes de la experiencia vivida de una mujer, para resaltar el dolor de la vida doméstica femenina en una sociedad patriarcal.
Pushpamala N
A través de la fotografía, performance y video arte, Pushpamala N critica el estereotipo sociocultural de las mujeres indias y la clasificación reductiva de la documentación etnográfica. Formada como escultora, Pushpamala recurrió a la fotografía y al arte escénica en la década de 1990 para explorar su interés por las narraciones. Usando elementos de la cultura popular y la tradición, ella examina nociones de lugar, género e historia. Su exposición histórica, Excavations, presentó ensamblajes de papeles desechados y materiales que intentaban ver la historia contemporánea como un sitio arqueológico. Los "fotorreportajes" de Pushpamala la consideran el sujeto en varios roles, con imágenes tomadas de la cultura popular, mitología y referencias históricas, que exploran con humor las complejidades de la sociedad contemporánea y la vida urbana de la India. Desde historias de fantasmas hasta romances sentimentales y retratos etnográficos, Pushpamala cuestiona las nociones de feminidad, nación, nativo, riqueza versus pobreza y ciudades imaginadas.
Pushpamala N. | © Shiv Ahuja / WikiCommons
