10 Artistas Argentinos Contemporáneos A Saber
Leandro Erlich: Dalston House Installation images / | © Gar Powell-Evans, 2013. Cortesía de Barbican Art Gallery.
Leandro Elrich
Aparentemente de la noche a la mañana, un terreno vacío en la calle Ashwin de Londres se transformó en una sobria fachada victoriana que recuerda las propiedades en terrazas que solían estar allí años atrás atrás, pero se invirtió, y se reflejó en un enorme espejo, dejando a los visitantes aún más perplejos mientras los niños juguetones escalan sus paredes y los acróbatas realizan trucos traicioneros. El Dalston House de Beyond Barbican muestra solo una faceta del genio fantasioso e ilusorio de Leandro Elrich, y tiene a los niños grandes y pequeños de Londres enganchados al arte. En el pasado, Elrich ha permitido a los visitantes vagar bajo las aguas parpadeantes de su trompe l'oeil Piscina , sin mojarse, mientras que en La Torre (ahora parte del Museo Reina Sofía de Madrid) colección) les proporcionó un ambiente igualmente desconcertante y vertiginoso. El trabajo de Elrich desafía a la mente crítica, rompiendo nuestra rutina hasta ahora calculada, sin aventuras, mientras satiriza el falso estatus elitista del colonialismo y la burguesía. En sus manos, la ilusión óptica se convierte en una realidad tridimensional tangible, donde los aficionados al arte (y el patio de recreo) participan activamente.
Torre de Babel / | © Facug / Wiki Commons
Marta Minujín
A menudo apodada la argentina Andy Warhol, Minujín (n. 1943) es una reina del arte pop y una mujer provocadora por derecho propio. Adoptando una personalidad pública audaz, más grande que la vida que allanó el camino para los gustos de Lady Gaga, ella ha estado reinventándose constantemente durante la última mitad de siglo. Tomando el arte de los museos e inyectándolo con nuevas dinámicas elaboradas, creó una serie de sucesos basados en la instalación, como el Minuphone donde, al ingresar a una cabina telefónica y marcar un número, se activaba una serie de sonidos y pantallas de colores en el panel de vidrio. Recreó Venus de Milo en queso y el Obelisco de Buenos Aires en pan dulce. Acertadamente llamada The Debt (1985), su muy publicitada colaboración con Warhol, un par de años antes de su muerte, se inspiró en la crisis de la deuda argentina. Más recientemente, la Torre de Babel , una biblioteca multilingüe de 7 plantas compuesta por 30,000 libros, marcó la coronación de Buenos Aires como Capital Mundial del Libro 2011. Una prueba elocuente, en todo caso, de la inconmensurable imaginación creativa de Minujín.
Instalación de León Ferrari / | © Tecnópolis Argentina
León Ferrari
Cuando se trata del trabajo autodidactico de León Ferrari (1920), no sería difícil encontrar a la Virgen María en una licuadora y Jesús se balanceaba en un rallador de queso o crucificado en un Avión de combate estadounidense, como el de La Civilización Occidental y Cristiana ( Civilización Cristiana Occidental , 1965) en una protesta improbable contra la Guerra de Vietnam. El cristianismo y el poder a menudo se alternan en el trasfondo de sus obras de arte provocadas por el pensamiento y que provocan choques, hechas de cemento, cerámica, madera, poesía o recortes de periódicos. Fue la audaz toma de la represión estatal del artista lo que lo obligó a trasladarse a Brasil durante la última dictadura argentina. Ferrari fue ganador del León de Oro en la Bienal de Venecia de 2007, mientras que otros premios incluyen el Premio Diamond Konex 2012 de Argentina para Artes Visuales, que lo proclamó el artista más importante de la última década.
Nadie Olvide Nada / | © Guillermo Kuitca
Guillermo Kuitca
Desde el expresionismo abstracto hasta los mapas de carreteras, Kuitca (nacido en 1961) ha estado desvelando magistralmente las esquivas tensiones políticas y psicológicas en sus aclamados lienzos. Los modelos arquitectónicos austeros, las listas de asientos y los carruseles de reclamo de equipaje evocan temas de migración y desaparición, precariamente equilibrando lo privado, lo público y lo doméstico. La coreógrafa alemana, la extraordinaria Pina Bausch, y el teatro de vanguardia en su conjunto han sido las principales influencias, junto con los escritos filosóficos de Denis Diderot (concretamente en su obra de 2002 L'Encyclopédie ), literatura y música popular. Sus famosos mapas proporcionan al espectador relatos poéticos de la memoria y la pérdida; creando una sensación de desplazamiento en lugar de dirección. Una serie de collages y impresiones digitales manipuladas solo intensifican esta idea de abstracción y el propio enigma personal del artista. El trabajo de Kuitca se puede encontrar en colecciones tan prestigiosas, como la Tate Gallery de Londres y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, lo que confirma su condición de estrella internacional.
Piscina de Jorge Macchi / | © Claudia Regina
Jorge Macchi
Jorge Macchi (nacido en 1963) intenta enfocar y exponer lo banal y, a través de un retorcido punto de vista y asociaciones cruzadas, le da dimensión y sustancia. La luz y el sonido sincronizados son vitales para su trabajo, al igual que los temas recurrentes del tiempo y el espacio. La interrupción y la destrucción entre los objetos forman patrones inesperados y se vuelven sujetos a la reflexión. En 2004 Buenos Aires Tour creó una guía turística alternativa, con 8 itinerarios basados en las líneas hechas por un cristal roto en el mapa de la ciudad, en un esfuerzo de colaboración con Edgardo Rudnitzky (sonidos) y Maria Negroni. (textos).
Instalación de Cloud Cities / | © Neil H
Tomás Saraceno
Telas de araña gigantescas, pompas de jabón plásticas y nubes de ensueño se convierten en herramientas en manos de Tomás Saraceno, un artista dedicado a engendrar realidades alternativas y reinventar nuestra relación con la naturaleza circundante. A través de sus instalaciones participativas, promueve formas poco comunes de comunicación, ingravidez y una universalidad que da a las personas la oportunidad de moldearse con su presencia. En 2012, trató a los neoyorquinos con exquisitos paseos por Cloud City (parte de la serie en curso del mismo nombre), una constelación de grandes módulos interconectados en configuraciones no lineales que renovaron por completo el jardín de la azotea del Museo Metropolitano de Arte. . Formado como arquitecto, desarrolló su instalación más monumental hasta la fecha en colaboración con ingenieros, arquitectos y aracnólogos, entrelazando magníficamente la ligereza y la funcionalidad, la belleza y la fuerza.
SINFONIA INCONCLUSA, Eva, los Sueños, Instalación de video (detalle), 2012 / | © Nicola Costantino
Nicola Constantino
Representando el Pabellón de Argentina en la 55ª Bienal de Venecia, Constantino dejó de lado sus temas, notoriamente extravagantes y polémicos, en favor de un tributo artístico en varias capas a la figura política femenina más prominente del país, Eva Perón . Sin embargo, no siempre ha sido el caso. El cuerpo de trabajo multimedia del artista incluye, entre otros, Savon de Corps ( Body Soap ), donde usó el tres por ciento de grasa de una liposucción en su propio cuerpo, y lo inquietantemente pegadizo lema "Tómate un baño conmigo". Su famoso Corset de Pezones Masculinos llamó la atención del MoMA de Nueva York, que lo incluyó en su colección. El conocimiento y la experiencia de alta costura de Constantino junto a su madre encontraron una salida creativa en vestidos y abrigos lujosos hechos de piel humana de silicona y cuellos de cabello humano - exploraciones de moda que evolucionaron gradualmente hacia Peletería Humana (Human Furriery ), una vitrina con veinte maniquíes vestidos con sus diseños. Eran de la mejor calidad, pero difícilmente vestían como Eva Perón. La TV Que Nos Mira pintura de Louis Felipe Noé / | © Adam Pablo Martin / Flickr
Luis Felipe Noé
Una figura importante e influyente en el arte argentino desde los años 60, Noé (nacido en 1933), pintor, escritor e intelectual versátil, tiene una larga y turbulenta carrera eso va de la mano con la inestabilidad sociopolítica del país y la agitación. Creyendo activamente en el "caos como valor", fue pionero en el movimiento de Otra figuración con otros tres artistas argentinos, entregando pinturas y dibujos expresionistas espontáneos, anárquicos y cargados políticamente: un reflejo violento y colorido del estado político del país en ese momento. . Una beca Guggenheim más tarde lo trajo a Nueva York, donde continuó llevando su arte a extremos más grandes, también publicando sus teorías sobre el caos en
Antiestética (1965). Aunque Noé siempre encontró el camino de regreso a su Buenos Aires natal, otros eventos instrumentales en la historia del país, como el golpe de Estado de 1976, lo llevaron al exilio en París durante más de una década. Además de una serie de exposiciones individuales y grupales, su contribución a la escena artística argentina fue finalmente premiada, en 2002, con el Premio Diamond Konex de Artes Visuales como el artista más importante de la década. Relieve Agua Comunicante detail / | © Gyula Kosice
Gyula Kosice
Kosice nacido eslovaco (originalmente Fernando Fallik, nacido en 1924) se mudó a Argentina a una edad temprana, donde comenzó a producir un cuerpo revolucionario de trabajo centrado en el arte cinético y luminal - sofisticado y estéticas impresionantes hidropulsos, recorridos hidrospaciales y relieves luminosos, entre el resto. Fue el primero, a nivel internacional, que encarna el agua y el gas de neón en sus monumentales esculturas y objetos, y se lo considera en gran medida uno de los precursores del arte abstracto y no figurativo latinoamericano. En 1946 inició el movimiento internacional Madí Art (o MADI), que abarcaba desde artes pictóricas hasta literatura y danza, dando un giro lúdico a las realidades físicas de cada medio (es decir, utilizando lienzos de forma irregular). El artista cuenta con docenas de exposiciones individuales, y cientos de exposiciones colectivas en Europa y América, y Madí, como el propio Kosice, aún permanece activo en la actualidad. De hecho, el público puede saborear su universo paralelo, luminoso y hidrocinético al unirse a una gira en su taller-museo gratuito, donde la realidad cotidiana, el arte y la vida son, en palabras del artista, "en flujo constante".
Asado en Mendiolaza / | © Marcos López
Marcos López
Las exposiciones fotográficas decididamente teatrales de Marcos López ofrecen visiones sorprendentemente honestas sobre la vida argentina. Su kitsch brillante y saturado se esconde detrás de su artificialidad, de los momentos inquietantes del cotidiano latinoamericano, y del artista mismo. Citando al escritor Gabriel García Márquez (uno de sus maestros en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba) y al pintor Diego Rivera, entre su amplia gama de influencias, desarrolló un estilo de fotografía política ahora irreconocible y siniestro, donde sus puntos de vista sobre las desgracias y disturbios de su país (a saber, bajo la presidencia de Carlos Menem durante la década de los noventa) se ocultan cuidadosamente detrás de sonrisas digitalmente retocadas. En su libro
Pop Latino (parte de la cual es también la serie Buenos Aires, La ciudad de la alegría ) interpretó de todo, desde taxistas locales hasta el carnaval criollo, pero nada se compara con el icónico Asado en Mendiolaza , la obra maestra del pop decadente y poco ortodoxa de López, que recuerda la Última cena de Da Vinci.
