Top 10 Increíbles Artistas Contemporáneos De Las Islas Del Pacífico
Sofía Tekela-Smith
Sofía Tekela-Smith (1970), es de origen mixto de Escocia y Rotuman, y pasó su infancia en la isla de Rotuma-Fiji, antes de establecerse en Nueva Zelanda. Su arte está influenciado por su herencia polinesia y las tradiciones de adorno corporal. Tekela-Smith ha ampliado los límites de la conceptualización, presentación y exhibición de su trabajo -juezas y objetos de adorno corporal- para convertirse en "arte" en lugar de "artesanía". Melodías de su piel color miel (2003) ) es una serie de siluetas de cabezas de negro relieves de fibra de vidrio, cada una decorada con una pieza de joyería de Tekela-Smith.
Inspirada en objetos kitsch que representan cabezas polinesias, africanas y aborígenes, popular como decoración doméstica en las décadas de 1950 y 1960, las siluetas desafían las imágenes estereotipadas de los polinesios perpetuadas por las estrategias turísticas del pasado colonial. Las fotografías en Brown Eyes Blue (2004) también subvierten la percepción estereotípica de las mujeres polinesias en el imaginario colectivo. Posando desafiante contra un fondo negro, manos, brazos y labios pintados de rojo -el color de la pasión, el peligro, la violencia, la sangre, lo sagrado- con una flor de hibisco rojo en el pelo, llevan un gran cuello nacarado sobre su torso desnudo.
Sofia Tekela-Smith, nubes pequeñas Pequeñas montañas (detalle), 2012, labio dorado madre de perlas, pounamu, hilo de cera, fotografía, espejo, 37.5 cm de diámetro | Cortesía del artista y Bartley + Company Art, Wellington
Michel Rangie
Michel Rangie (nacido en 1950) se inspira en su herencia cultural y en las tradiciones espirituales y sociales de su lugar de origen, la isla Vanuatu de Ambrym. La parte norte de la isla geográficamente aislada todavía conserva ampliamente las costumbres tribales y el kastom : gobierno, ley y religión consuetudinarios. Una variedad de artefactos se crean para acompañar rituales y ceremonias, para conmemorar conmemoraciones y una diversidad de eventos. La obra de Rangie está directamente influenciada por estas artesanías tradicionales, como es visible en Mague ne sagran (ranking de palma negra) grado 4 (c. 2005), una de una serie de obras inspiradas en mague -culpuras figurativas creadas para ceremonias de iniciación masculinas. La sociedad Ambrymese se estructura en torno a los jefes que se elevan a través de una serie de grados, y los aumentos de rango se marcan con ceremonias y la creación de Mague . Hecho de palma negra tallada y pintada con colores sintéticos, las figuras totémicas tienen su singularidad, de acuerdo con el grado social del jefe al que está dedicado.
John Pule
Niuean artista, novelista y poeta John Pule ( b. 1962) trabaja con pintura, dibujo, grabado, cine y performance. Su obra se inspira en la cosmología de Niue y el cristianismo, y aborda cuestiones de migración y colonialismo. Tukulagi tukumuitea (Siempre y para siempre) (2005) entrelaza sus narrativas personales con todos los temas mencionados anteriormente. Pule yuxtapone las imágenes de Cristo extraídas de la cruz con las personas afligidas en un paisaje desolado. Las figuras andrinas transportan grandes pájaros, objetos y humanos escaleras arriba y abajo, evocando el movimiento de culturas y sistemas de creencias. Las peonías en la pintura hacen referencia a las importaciones de los misioneros, incluidas las propias flores, que se han convertido en parte de la flora local. Dominado por el color rojo, sangre y violencia, el trabajo también sugiere la posibilidad de renovación. El trabajo de Pule está directamente influenciado por su interés en la tradición de hiapo - una tradición de barkcloth a mano alzada de Niue. Se remonta a mediados del siglo 1 , el siglo IX, el Hiapo mezcla culturas occidentales y de Niue, con una fusión de decoración e imaginería tan diversa como occidental, tradicional, lingüística, numerología, marina y botánica. . John Pule, The Disagreement, 2014, aceites, esmaltes, tintas, varilla de aceite, poliuretano sobre lienzo, 200 x 200 cm | Cortesía de Gow Langsford Gallery Sima Urale Sima Urale (1968) es la primera cineasta femenina de Samoa. Como narradora contemporánea y visual, conserva la tradición samoana de narración oral o
fagogo
. Su trabajo está influenciado tanto por su herencia samoana como por su experiencia de mudarse a Aotearoa urbanizada, el nombre maorí de Nueva Zelanda. Su galardonado cortometraje
O Tamaiti (1996) 'The Children', se rodó en samoano, con un sonido mínimo, y se rodó en blanco y negro para evitar los estereotipos kitsch de los samoanos. La historia de un joven obligado a jugar como padre en circunstancias devastadoras ganó el León de Plata al Mejor Cortometraje en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 1996. El segundo cortometraje de Urale, Still Life (2001), se centra en los desafíos del envejecimiento para una estrecha unión Pākehā, el nombre maorí para los neozelandeses de la pareja del patrimonio europeo, se convirtió en el primer cortometraje kiwi en ganar el Mejor cortometraje en el Festival de Montreal y un Premio de reconocimiento especial en el Locarno Film Festival de Suiza. Sima Urale, Samoa / Nueva Zelanda b.1969, O Tamaiti, 1996, Kapa Haka (Whero), 2003, película de 35 mm y formatos Betacam SP: 15 minutos, blanco y negro, estéreo. Comprado en 2004. Beca / colección de la Fundación de Arte de Queensland: Galería de Arte de Queensland | © El artista Aline Amaru La tahitiana Aline Amaru (n.1941) es una innovadora de la
tifaifai
-apliqué de la tradición textil-textil de Tahití. Habitualmente decorado con motivos florales o abstractos,
tifaifai ha estado presente en la Polinesia desde principios del siglo XIX , probablemente asociado con la introducción de la costura por las esposas de los misioneros. La versión de Amaru de la tradición tifaifai incorpora sus patrones distintivos con sus propias narrativas, como representaciones de escenas históricas. La Famille Pomare (1991) presenta una escena que retrata las cinco generaciones de la familia real de Pomare en Tahití, la última monarquía reinante antes del dominio colonial francés en 1880. Las figuras se representan en orden cronológico y reflejan el legado de la realeza en Tahití. . La obra de Amaru combina apliques elevados con intrincados bordados a mano, la menos conocida nana'o técnica de costura con el paumotu puntada que aprendió de su madre. El tifaifai ahora también reemplazó el tradicional paño de bark y es un objeto ceremonial importante que pasa a través de las familias y las generaciones como reliquias familiares. Aline Amaru, Tahití b.1941, La Famille Pomare (tifaifai) (Pa'oti style), 1991, tela de algodón comercial e hilo en técnica de aplicación y bordado, 237,8 x 229 cm. Comprado en 2004. Queensland Art Gallery Foundation / Colección: Queensland Art Gallery Kalisolaite 'Uhila Artista tongano Kalisolaite' Uhila hace referencia a historias y ancestros diversos, así como a lo cotidiano y a la multiplicidad del ser. Su práctica de performance se inspira en las nociones tonganas del ser y en el legado histórico de la historia del arte euroamericano desde la década de 1960 en adelante. Su enfoque experimental manifiesta ideas en metáforas que determinan una forma de ser, y aborda su cultura nativa mediante la adopción de procesos culturales e historias en su lenguaje de ejecución.
Pigs In The Yard
(2011) ve al artista compartir un contenedor de envío con un cerdo Cuando Uhila intenta convivir con el cerdo, explora la importancia del animal en su cultura nativa de Tonga y las preocupaciones coloniales en curso en las Islas del Pacífico. En
Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana (2015), 'Uhila conduce el mar en Oriental Bay en Wellington durante seis horas, durante cinco días consecutivos, de baja a alta marea. El artista se inspira en la oración y la coreografía de Tonga, así como en el linaje familiar de marineros de Tonga usando ngatu y si hojas. El espectáculo también hace referencia al océano como algo que une a las personas en lugar de dividirlas, y fusiona pasado, presente, personal y global. Kalisolaite 'Uhila, Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana, 2015, actuación en vivo en The Performance Arcade 2015, Wellington Waterfront, Nueva Zelanda | Cortesía del artista Itiri Ngaro El artista de las Islas Cook Itiri Ngaro (nacido en 1973) pasó de las artes escénicas a la imagen en movimiento. Sus obras están influenciadas por su formación en música, teatro, canciones y danza. La práctica de Ngaro es autorreflexiva, representando una realidad urbana que combina con el legado de la Isla de Cook. Aunque sus trabajos en video están cargados con el simbolismo del Pacífico, el artista cree que las ideas que transmite son comunes y universales para nuestra existencia.
Te 'Oki'anga o Te Vaerua (El regreso del alma)
(2007) poéticamente se ocupa de cuestiones de identidad cultural. Los dibujos de arena se transforman en recuerdos de un hombre que trata de escapar de algo, o tal vez a sí mismo. En las serenas playas de la costa oeste, un hombre realiza movimientos de danza contemporánea y tradicional, llevando al público en un viaje de momentos atormentados al regreso del alma.
Ko te au ata mou kore (The Shifting Shadows) (2008) ) integra reinos físicos, espirituales y mentales a través de técnicas visuales experimentales. Las fuerzas opuestas están en juego: las siluetas proyectadas representan problemas sociales como el abuso físico y del alcohol, mientras que otras retratan a los antepasados angélicos. Maile Andrade La artista multimedia Maile Andrade fusiona lo contemporáneo y lo tradicional para crear obras que reflejan su hawaiana cosmovisión Usando una amplia gama de medios, así como técnicas innovadoras mezcladas con la artesanía tradicional, Andrade cree que el arte es un medio poderoso para representar el viaje de la vida y su práctica está profundamente arraigada en la herencia hawaiana. Andrade explora y cuestiona el uso y la perpetuación de los estereotipos vistos a través de muchas lentes, y cómo la etnografía y la antropología han malversado las prácticas culturales, la cosmología y la espiritualidad. La artista se apropia de nuevo el derecho de identificarse a sí misma -y a su propia gente- nociones desafiantes del estereotipo del nativo hawaiano. Kahuli
(2011) es una instalación de
lauhala cestas y vidrio fundido que hace referencia a la noción de I Keia Manawa- el día de hoy, donde los nativos hawaianos se mantienen firmes, de espaldas al futuro y con la vista puesta en el pasado. Andrade se involucra con la tensión de este tiempo y espacio, y la distorsión de los hechos sociales, culturales, políticos e históricos como si los eventos nunca ocurrieran de la manera en que los recordamos. Esta agitación está en constante movimiento, ya que cambia, altera y trastorna a personas, lugares y situaciones. Maile Andrade, Ka Huli, 2013, instalación de pared con cestas de lauhala | Cortesía del artista Paula Schaafhausen La artista samoana Paula Schaafhausen hace referencia a su herencia cultural a través de la reapropiación de imágenes, materiales, técnicas y narrativas visuales para abordar cuestiones globales. En su proyecto 2014
Ebbing Tagaloa
, el artista destaca los problemas del calentamiento global, particularmente en relación con el Océano Pacífico y sus islas. Debido al aumento del nivel del mar, muchas islas bajas de Oceanía se enfrentan a duras transformaciones, como niveles más altos de salinidad en el suelo y costas en retroceso, por nombrar solo algunas. En la mitología de Samoa, Tagaloa es el gobernante supremo y tradicionalmente el dios del océano, que hizo las islas, el cielo y los mares. Schaafhausen hace referencia al dios en sus figuritas moldeadas hechas de aceite de coco, koko Samoa y arena. El aceite y el koko son materiales de uso diario en Samoa, mientras que la arena hace referencia a la tierra y los mares que unen a la población de Oceanía. Las estatuillas se colocan en bandejas hechas a medida que representan las cinco islas principales de Kiribati, que son una de las islas bajas en peligro en el Pacífico. Durante el tiempo de exhibición, las figurillas se desmoronan y se disuelven con los cambios de temperatura y atmósfera.
Uno del grupo de figuras de Tagaloa de Paula Schaafhausen en la exposición 'Ebbing Tagaloa' en w: en: Enjoy Public Art Gallery | © Stuartyeates / WikiCommons Fatu Feu'u Samoan Fatu Feu'u (nacido en 1946) es principalmente pintor, pero también experimenta con una amplia gama de medios, incluyendo bronce, madera y escultura de piedra, diseño de cerámica, litografías, xilografías y vidrio. Su inspiración proviene de las formas de arte polinesias, como el siapo (tela de tapa), el tatau (tatuaje), el tejido, el tallado y la fabricación de máscaras ceremoniales. La práctica de Feu'u está profundamente enraizada en el concepto de
fa'asamoa-
'el camino de Samoa', que incorpora las convenciones culturales que unen las redes familiares a las costumbres y ceremonias tradicionales. Sus obras fusionan influencias de su herencia nativa y de las culturas euroamericanas. Las obras de Feu'u muestran motivos y diseños pacíficos tradicionales, extraídos de tallado, pintura de tapa y tatuajes. Al incorporar el simbolismo antiguo en los medios contemporáneos, busca mantener una continuidad visual para la cultura samoana en Aotearoa / Nueva Zelanda. El arte de Feu'u funciona como
va'aomanu - vasos de conocimiento - que contienen evocaciones de memoria, migración y reconciliación. Su trabajo comunica narrativas de las tradiciones oratorias de Samoa, que pasaron alegorías y leyendas de generación en generación. Fatu Feu'u, Diamante en el cielo, 2012, técnica mixta sobre lienzo, 154 x 285 cm | Cortesía del artista y Warwick Henderson Gallery, Auckland, Nueva Zelanda
