Las 10 Obras Imperdibles Para Ver En Tate Britain
Ophelia: Sir John Everett Millais, 1851-2
La inquietante descripción de Millais de esta heroína condenada de Shakespeare es nada menos que icónica. Captura el momento de Hamlet cuando Ophelia, enloquecida por el hecho de que su amante ha asesinado a su padre, se ahoga en una corriente. Está rodeada por una serie de flores simbólicas, con violetas que significan castidad, amapolas muertas y sauces, ortigas y margaritas inocentes. Como miembro de la Hermandad Prerrafaelita, Millais se dedicó a observar la belleza natural en el mundo que nos rodea, pero también bajo el disfraz de hermosas mujeres. Elizabeth Siddal (quien más tarde se casó con Rossetti) modeló para la pintura. Se le pidió que posara durante un período de cuatro meses, tumbada en una bañera de agua. La experiencia la llevó a contraer un resfriado tan severo que su padre amenazó con demandar, a menos que el artista pagara sus facturas médicas.
Sir John Everett Millais, Ophelia, 1851-2 | Cortesía de Tate
Drapeado sentado mujer - Henry Moore, 1957-8
Con sus hermosos cortinajes esta escultura recuerda la antigüedad antigua, mientras que también se aplica el capítulo específico de la modernidad de Moore. Es uno de varios moldes que presentan una figura con proporciones distorsionadas, con un torso excesivamente ancho y una cabeza en forma de bloque. La postura inusual y congelada fue un ejercicio de formalismo y tiene más que un guiño a los mármoles de Elgin. Ambas comparten una sensación de movimiento realista, como si estuvieran congeladas en el tiempo.
Henry Moore, Draped Seated Woman, 1957-8. Prestado de una colección privada 1989. Préstamo a largo plazo a Tate | © The Henry Moore Foundation. Todos los derechos reservados. Colección privada
Silla - Allen Jones, 1969
La controversial serie de "muebles" del artista pop británico ha causado indignación por su fetichización del cuerpo femenino, desde que las tres piezas se expusieron por primera vez en 1970. Junto con Chair, el artista produjo una mesa y un soporte de sombrero, presentando maniquíes busty de tamaño completo en poses igualmente eróticas. El primero se ha convertido en el más infame debido al hecho de que fue vandalizado con removedor de pintura durante la exposición 1986 de Tate Cuarenta años de arte moderno . La escultura todavía tiene la capacidad de impresionar hoy en día, y algunos afirman que simboliza la opresión femenina, mientras que otros la ven como un objeto importante en el canon de la historia del arte.
Allen Jones, Chair, 1969 | Tate © Allen Jones
The Pond - LS Lowry, 1950
El nombre LS Lowry es sinónimo de escenas británicas industriales pobladas con sus característicos "hombres de cerillas". Aunque sus pinturas estaban enraizadas en el realismo, representando las vidas de las comunidades comunes en las ciudades urbanas del norte dominadas por fábricas, en realidad prefería trabajar directamente sobre un lienzo en blanco, construyendo motivos a medida que avanzaba. El artista describió la pintura de esta obra: "No tenía la menor idea de lo que iba a poner en el lienzo cuando comencé la imagen, pero finalmente salió como lo ves. Esta es la forma en que me gusta trabajar mejor ".
L S Lowry, The Pond, 1950 | Tate © La herencia de LS Lowry
Hope - George Frederic Watts, 1886
A pesar de su título optimista, esta pintura está plagada de ambigüedades. La figura con los ojos vendados parece triste o agotada, sosteniendo una lira que ha roto todas sus cuerdas excepto una. Watts era conocido por crear obras fantasmagóricas que trascendían cualquier tiempo o lugar en particular, y aquí esta mujer aislada aparece sentada sobre un globo indistinguible. Es una de las dos piezas alegóricas creadas por el artista y su asistente, pero esta segunda versión se consideró superior debido a la maravillosa expresión en la cara de la mujer, así como a la eliminación de una pequeña estrella, lo que hacía que el simbolismo de la obra fuera demasiado pesado. entregado.
George Frederic Watts, Hope, 1886 | Tate. Presentado por George Frederic Watts 1897
Figura sentada - Francis Bacon, 1961
Además de exponer los niveles más oscuros de la mente, Bacon también estaba interesado en el espacio pictórico. Como tal, a menudo empleó un dispositivo de enmarcado que no solo aísla al sujeto, sino que también invita al espectador a mirar más allá de los reinos de la figuración. Las características faciales de este modelo retorcido y anónimo están muy sobrepintadas, lo que lleva a una cara desarticulada de múltiples facetas. Este tratamiento se convirtió en una marca registrada del artista durante este período y alude a la fractura fragilidad de la humanidad.
Francis Bacon, Seated Figure, 1961. Tate, Presentado por J. Sainsbury Ltd 1961 | © Estate of Francis Bacon
El ángel parado en el sol - JMW Turner, 1846
Cuando Turner entró en los últimos años de su vida, se preocupó por las nociones de muerte, así como por las historias bíblicas de retribución justa. Esta pintura combina su glorioso dominio de la luz y el color, que se había convertido en motivo de mucha controversia a los ojos de sus críticos. Muchos académicos reales consideran que su nueva fluidez es vulgar o vulgar, pero Turner se dedicó a esta nueva forma de ver el mundo. En esta obra, el Arcángel Miguel empuña su espada, listo para golpear a los pecadores de abajo. El hermoso cielo arremolinado parece estar ardiendo, y Turner usa el toque más ligero de su pincel para aludir a las multitudes aterrorizadas que intentan huir del caos inevitable.
JMW Turner, El ángel de pie bajo el sol, exhibió 1846 | Courtesy Tate
A Bigger Splash - David Hockney, 1967
Cuando Hockney llegó a California un año después de graduarse en el Royal College of Art, se sorprendió al descubrir que todos tenían piscina, un concepto sorprendente para un joven acostumbrado a la vida fría y austera en Gran Bretaña. Las piscinas se convirtieron rápidamente en un tema recurrente para el artista, ya que estaba fascinado por tratar de representar el agua. Esta pintura es la más grande de las tres obras 'splash', que muestran la arquitectura de la década de 1960 junto con colores dramáticos y audaces. La obra se exhibe actualmente en el Pompidou de París y también recorrerá el Museo Metropolitano de Arte, antes de regresar a su hogar.
El rescate de Andrómeda: Henry C Fehr, 1893
Esta escultura representa la leyenda griega en el momento en que Perseo salva a Andrómeda de ser devorada por un monstruo marino. Sostiene la cabeza cortada de Medusa, que tiene el poder de convertir cualquier criatura en piedra con su mirada, así como una daga de considerable tamaño. La composición inusual equilibra cada una de las tres figuras una sobre la otra, con la pobre Andromeda encadenada a una roca, debajo de la batalla. Debido al tamaño de la escultura, fue trasladada permanentemente al exterior en 1911, para consternación del artista.
'El rescate de Andrómeda', 1893, Henry C Fehr | Presentado por los Fideicomisarios de Chantrey Bequest 1894
No Woman, No Cry - Chris Ofili, 1998
Esta enorme pintura es un tributo a la madre de Stephen Lawrence, quien fue asesinado en un ataque racista en 1993; ganó el Premio Ofili Turner cinco años después. El perfil lloroso de Doreen Lawrence está contrastado con un fondo de collage hecho con reproducciones cortadas de una pintura de Bridget Riley, y cada una de sus grandes lágrimas contiene una imagen de su hijo. El lienzo está apoyado sobre dos grandes pedazos de estiércol de elefante, un material que Ofili usó extensamente en sus primeros trabajos. Además de recordar un evento específico y aterrador, la pieza también alude al dolor universal.
Chris Ofili, No Woman, No Cry 1998 | Foto: Tate. © Chris Ofili
