Los 10 Mejores Fotógrafos Australianos Que Debe Conocer
Justine Khamara
Justine Khamara (1971) investiga y desafía los límites de lo fotográfico medio, reinterpretando retratos fotográficos y cuestionando las nociones contemporáneas del ser. Sus obras escultóricas y de collage tridimensionales ofrecen una manipulación de la realidad que se relaciona con las nociones de autorrepresentación en una era de tecnologías de (re) producción instantáneas e infinitamente generadoras. Su obra emplea fotografías en rodajas finas e imágenes de un único sujeto capturado desde múltiples ángulos. Erysicthon's Ball (2010) se inspiró en el mito griego de Erysicthon, rey de Tesalia, para cuestionar la vanidad de las sociedades modernas, evidente en la actividad generalizada y egocéntrica de tomar múltiples imágenes de uno mismo y publicarlas a través de diversos canales de medios sociales, intentando así controlar la representación personal y perpetuando el fenómeno de la vanidad. En muchas de sus obras, Khamara usa imágenes de ella, su familia o amigos, lo que le permite trabajar íntimamente con sus sujetos de retratos. En Watch me slip with these thin sheets (2011), una lámina de tela impresa con imágenes de ella y su madre se combina con un espejo para llamar la atención sobre la posibilidad de que los individuos experimenten múltiples aspectos de sí mismos.
Justine Khamara, orbital spin truco, 2013, impresión UV, contrachapado cortado con láser, 50 x 50 x 50 cm. Fotógrafo: John Brash | Imagen cortesía del artista
Bill Henson
Bill Henson (nacido en 1955) hace uso de un momento particular del crepúsculo del día para capturar imágenes de paisajes y jóvenes adolescentes que crean una especie de "mitología moderna". Las condiciones de iluminación del crepúsculo y las técnicas de subexposición y ajustes de impresión permiten a Henson lograr contrastes de sombra y claroscuro, que son similares a las pinturas de bodegones de los maestros flamencos. Su obra evoca una atmósfera de trascendencia y eventos sobrenaturales, explorando el tema recurrente de la dualidad. Sus sujetos son retratados en la oscuridad y la luz tenue, sin mirar directamente a la lente, en parte ocultos para crear un aura de misterio y existencia bacanal. Los cuadros pictóricos pictóricos de Henson continúan la tradición de la literatura romántica y el arte del siglo XIX, y el concepto de lo Sublime, en el que la grandeza de la naturaleza provoca las sensaciones conflictivas de asombro, terror y asombro. Borrando las líneas entre la realidad y el inconsciente, Henson transporta al espectador a una dimensión paralela que se esconde detrás de gruesos velos oscuros y rica en referencias a nuestro pasado. Para el artista, los paisajes son elementos fuertes de nuestra memoria y su interés en capturarlos en memento mori imágenes que tienen el poder de transportar al espectador a un mundo sin tiempo. Bill Henson, Sin título 1 / 2000, CB / JPC SH97 N11, impresión de pigmento de inyección de tinta de archivo, 180 x 127 cm | Cortesía del artista y Tolarno Galleries, Melbourne Tracey Moffatt
La cineasta, videoartista y fotógrafa Tracey Moffatt (1960) crea obras que invitan a la reflexión y que exploran temas como la raza, los traumas infantiles y los medios de comunicación, así como Subyugación aborigen, dominación materna, estereotipos de género y división de clases. Las obras producidas en la década de 1980 incluyen
Some Lads
(1986), una serie de fotografías en blanco y negro que mostró junto con la fotografía en color La estrella de cine (1985). En Disappointed Dreams (1989), Moffatt presentó una narrativa rica y fragmentada con sugerentes imágenes de violencia, glamour y sueños desilusionados. Su interés en las relaciones de poder es evidente en Scarred for Life (1994), un conjunto de litografías que yuxtaponen fotografías y texto, imitando el diseño y el formato de páginas viejas, desvanecidas Life . La serie retrata la infancia y la adolescencia como tiempos saturados de violencia, abandono y agitación psicológica. En 1998, Moffatt experimentó con un nuevo medio, creando Laudanum , una serie de fotograbados -o grabados fotográficos- que se enfocaban en la relación entre una mujer y su sirviente aborigen. Su reciente trabajo, 'Spirit Landscapes' (2013), en exhibición en QAGOMA en 2015, comprende cinco nuevas series fotográficas y una película, explorando la espiritualidad, la memoria en el paisaje y lo sobrenatural, y ofreciendo una meditación sobre la importancia de la tierra y colocar a través de historias personales y universales. Tracey Moffatt, Adventure Series 6, 2004, impresión en color en papel Fujiflex, 132 × 114 cm, edición de 25 | Cortesía del artista y Roslyn Oxley9 Gallery, Sydney Patrick Pound
En el centro de la práctica de Patrick Pound (1962) reside un interés en las nociones de coleccionar y el archivo, que le permiten crear una especie de 'mapeo de la cultura humana'. Manteniendo una visión del mundo que lo iguala a un acertijo, el artista intenta reconectar sus piezas una por una acumulando, categorizando y clasificando concienzudamente las fotografías y ephemera encontradas. La práctica de Pound apunta a alcanzar una comprensión inalcanzable a través de una colección infinita. Sus collages y ensamblajes de imágenes encontradas y objetos descartados no son aleatorios, sino que funcionan como definiciones en un diccionario o como evidencia compilada y construida. Pound 'define' las nociones abstractas que se capturan en la película, pero pasan por alto por los retratos que materializan el observador común de lo intangible. Por ejemplo, Portrait of the Wind (2013) comprende una gran colección de retratos encontrados de personas que "pasaron desapercibidas", mientras que la serie Crime Scene (2013) presenta fotografías en las que los sujetos parecen haber fallecido. En verdad , la mayoría de ellos estaban durmiendo.
The Photographer's Shadow
es una serie de fotografías en las que se captura la sombra del fotógrafo en una película, mientras que en The Missing Pound ha borrado personas de las postales. y fotografías usando Photoshop. Liu Xiaoxian Originario de China, Liu Xiaoxian (nacido en 1963, Beijing) se mudó a Australia en 1990, después del incidente de Tiananmen. Su origen chino y su experiencia de vida como australiano "adoptado" desempeñan un papel importante en su práctica artística, que explora las diferencias y las similitudes entre Oriente y Occidente en temas como la cultura, la tradición, la política, la religión, la identidad y el género . A través de la fotografía y la escultura, Liu analiza los símbolos occidentales y orientales icónicos o culturalmente significativos como una expresión de la experiencia migratoria, yuxtaponiéndolos en su trabajo. Su díptico monumental
Nuestros Dioses
(2000), en la colección de la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, reúne representaciones del Cristo sufriente y el Buda sonriente. Los dos retratos, más que colocados uno junto al otro, están compuestos -con la ayuda del montaje y la manipulación digital- de 22.500 imágenes pequeñas y repetidas del otro, como píxeles. En un trabajo anterior, My Other Lives (1 ), Liu usó fotografías de su extensa colección de álbumes familiares australianos antiguos. El artista insertó digitalmente su rostro en imágenes estereográficas de familias australianas de fin de siglo. Liu intenta dar visibilidad a una historia a menudo pasada por alto de las identidades asiáticas dentro de la construcción de la cultura australiana, así como abordar las nociones de desplazamiento, migración e identidad. Liu Xiao Xian: De Este a Oeste. 7-12 de septiembre de 2009, Galería RMIT, vista de instalación. Fotografía: Mark Ashkanasy | Cortesía de RMIT Gallery, Melbourne Pat Brassington
Trabajando en fotografía y medios digitales, Pat Brassington (nacido en 1942) extrae influencias del surrealismo, profundizando en el efecto misterioso y provocador que tiene la ambigüedad en la interpretación. Su trabajo se desarrolla en imágenes que se transforman como las manchas de tinta de una prueba de Rorschach, abriéndose a las infinitas posibilidades de nuestros estados psicológicos internos relacionados con las narrativas de sexo, memoria e identidad. Las imágenes de ensueño de Brassington combinan lo analógico y lo digital, pasado y presente, creando una realidad ambigua, a veces abstracta (sur). En sus primeros trabajos, utilizó una película en blanco y negro para capturar imágenes oscuras y poéticas de desnudos cerca de puertas y otras obras. En la década de 1990, Brassington se desvió del medio más tradicional y comenzó a abrazar la manipulación digital. La capacidad de desmembrar, deconstruir y reconstruir imágenes dio paso a su imaginación ilimitada y le permitió perseguir su interés de larga data en el espacio entre la realidad y la fantasía. El artista usa fotografías encontradas o existentes de su propia colección personal, combinándolas con 'elementos extraños'. Imágenes perturbadoras de bocas amordazadas, como en Forget Your Perfect (2008), muslos contorsionados y elementos similares a los genitales -como en su serie
In My Mother's
House (1994) -son solo algunas de las numerosas que ella ha producido. Pat Brassington, Shadow Boxer, 2013, impresión pigmentada, edición de 8, 72 x 50 cm | Cortesía del artista y ARC ONE Gallery Peta Clancy
Peta Clancy (1970) explora temas de fugacidad, temporalidad, mutabilidad y los límites corporales y subjetivos del cuerpo humano. Su práctica fotográfica se aleja de las limitaciones bidimensionales para abarcar el campo expandido de la fotografía, con intervenciones como perforar, arrugar, arrugar e incrustar en cera, así como producir piezas de instalación como
This Skin I'm In
(2002) -con imágenes impresas en almohadas de tela. Abordando una preocupación por la piel, la mortalidad y el envejecimiento, su serie Lo lleva como un mapa en su piel (2005-2006) se compone de imágenes de los ojos de una mujer y los labios pinchados con una aguja de plata fina, para crear un efecto de encaje . Clancy dice que "la piel no tiene raíces, se despega fácilmente como el papel" (descarga en PDF) y "las superficies de la piel y la fotografía son fundamentales" para su trabajo. La realización de la vulnerabilidad y fragilidad del cuerpo humano y cómo puede cambiar tan rápidamente se encuentran en el núcleo de otra serie, paper thin (2007), donde el papel es también representativo de la piel humana: el artista no solo lo pincha, sino que lo arruga, como si representara una piel arrugada. Esperando a que el polvo se asiente (2000-2005) captura el paso del tiempo y "los diminutos residuos de nuestra vida cotidiana", con imágenes de rastros y sombras que dejan los objetos cuando se quitan de su lugar. Fragmentos alargados de polvo y piel muerta sugieren mortalidad y 'el polvo del que proviene el cuerpo y al que volverá. Peta Clancy, lo lleva todo como un mapa en su piel 1, de la serie' Puncture ', 2015, impresión fotográfica tipo C, 53 x 80 cm | Cortesía del artista Trent Parke
El fotógrafo de Magnum Trent Parke (nacido en 1971) está inspirado en su experiencia cotidiana y trabaja principalmente con fotografía de calle. En 2003, Parke recorrió casi 90,000 km alrededor de Australia con su esposa y compañera de fotografía, Narelle Autio. El resultado fue Minutes to Midnight, una colección de fotos del viaje que ofrece un inquietante retrato de la Australia del siglo XXI, desde el desierto disecado hasta la vida caótica en remotas ciudades aborígenes. En 2007, Parke se embarcó en un viaje interior, para explorar su propia vida y su pasado, como él mismo dice, "excavar mi propia historia". Durante siete años, trabajó en The Black Rose Diaries, que se exhibió en la Galería de Arte de Australia del Sur en 2015. La serie comenzó cuando Parke reflexionó en una noche cuando a los 12 años presenció la muerte de su madre a causa de un ataque de asma. A partir de ese momento, el artista cerró todos los recuerdos de su infancia, hasta que se enfrentó a los problemas y comenzó a crear un cuerpo de trabajo a su alrededor. Compuesta por fotografías, cartas y textos, la serie no solo narra la vida pasada y presente de Parke, sino que también plantea preguntas universales sobre nuestra propia existencia. Derivado de sus experiencias y reflexiones diarias sobre la vida, el trabajo es una meditación sobre los viajes de la vida y cómo el presente, el pasado y el futuro están interrelacionados.
Trent Parke | © Jaaziel / Flickr, 2008
Petrina Hicks
Petrina Hicks (1972) utiliza 'el lenguaje seductor y brillante' de la fotografía comercial -su experiencia profesional- para abordar cuestiones de belleza y perfección, al tiempo que explora la capacidad de fotografía para crear y corromper procesos de consumo y seducción. Sus imágenes presentan sujetos aparentemente perfectos, yuxtapuestos con elementos extraños y extraños que desconciertan al espectador, señalando la tensión entre la belleza y la imperfección. En Shenae y Jade (2005), una joven modelo sostiene un periquito con su cabeza en la boca, una combinación improbable y poco convencional que desequilibra el retrato perfeccionista del estilo de la moda. Hicks a menudo explora la identidad femenina, haciendo referencia a la mitología y la historia del arte, y vinculándolos con la cultura de la imagen contemporánea. Esto es evidente en
Hippy and the Snake
(2011), una serie compuesta por un video y fotografías a gran escala que hace referencia sutil a Eve y a la serpiente en un Jardín del Edén reinventado. En Venus y El nacimiento de Venus , señala acertadamente una diosa mitológica y otro simbolismo femenino, mientras que también hace eco de nociones más contemporáneas del feminismo y la mirada masculina sexualizada. (PDF download) Otros trabajos hacen referencia a la relación simbiótica entre humanos y animales, como Lambswool o Rosemary's Baby (2008). Petrina Hicks, Shenae y Jade, 2005, de la serie Untitled 2005, impresión con inyección de luz | Cortesía del artista y Michael Reid Gallery Sonia Payes
La fotógrafa y artista de nuevos medios Sonia Payes (1956) se ha inclinado en los últimos años hacia lo surrealista, creando imágenes inquietantes y multicapa en las que los elementos se invierten, se oscurecen y se fue sin ser visto. A través de su práctica fotográfica y sus nuevas animaciones multimedia e instalaciones tridimensionales, Payes explora temas de destrucción ambiental, apocalipsis y renovación de nuestro futuro. La artista llamó la atención con sus ensayos fotográficos sobre 60 artistas australianos en
UNTITLED.
Retratos de artistas australianos , publicados por Macmillan en 2007. En 2012, Payes realizó una residencia en la Fundación de Arte Australiana de China en zonas rurales Pekín, que culminó en la producción de la serie Interzone , mostrada en Fehily Contemporary en 2013. Durante su estancia en Beijing, Payes estuvo inmersa en el duro entorno del rápido desarrollo urbano de China: las tierras de cultivo estaban siendo rápidamente reemplazadas por canteras y cemento. El artista fue testigo de cambios significativos no solo en el paisaje y el medio ambiente, sino también en las relaciones humanas. A través de su serie, Payes proporcionó un comentario social y reflexionó sobre las nuevas interrelaciones entre el hombre y el medio ambiente causadas por la vasta industrialización de China. 'Regeneración' (2014) exploró la práctica de Payes a través de una variedad de trabajos, incluidos Earth Warriors y Ice Warriors , presentados como 'guías' para dirigir a la humanidad en su búsqueda de nuevas soluciones a la degradación infligida nuestro ambiente. Otras series ilustran y reflexionan sobre la capacidad de recuperación de la humanidad y su capacidad de cambiar y adaptarse infinitamente al entorno mutable de la Tierra. Sonia Payes, Guerreras del agua, de la Serie Guerrera 1, 2014, impresión tipo C, edición de 5, 56 x 196 cm | Cortesía del artista
