10 Artistas Contemporáneos De Australia Para Saber

La escena artística contemporánea de Australia está prosperando, con numerosas galerías, fundaciones, colecciones, museos y eventos de perfil internacional. La rica diversidad cultural y la historia del país son puntos de partida para muchos de sus artistas, quienes extraen de sus experiencias de vida problemas mundiales más amplios para crear obras que manifiestan un compromiso profundo con el estado actual de la sociedad en todo el mundo. Hoy te traemos diez de los mejores artistas contemporáneos que trabajan en Australia.

Fiona Hall

Uno de los artistas contemporáneos más importantes de Australia, la práctica de Fiona Hall (1953) ha incluido muchas comisiones públicas y proyectos que abarcan una amplia gama de medios , desde la fotografía hasta la escultura y la instalación, que se han involucrado cada vez más con los temas de la ecología, la historia y los efectos de la globalización. En 2012, Hall participó en dOCUMENTA (13), presentando una instalación titulada Fall Prey (2012), que luego se mostró en su exposición principal en el Museo de Arte Moderno Heide en 2013.

Fiona Hall, Fall Prey / Shot Through , Condor californiano, 2012 DOCUMENTA (13) | © ACK / Flickrcommons

Juan Dávila

Originario de Chile, Juan Dávila (nacido en 1946, Santiago) emigró a Melbourne en la década de 1970, donde estableció una práctica artística exitosa, principalmente como pintor, pero también creando dibujos e instalación. La práctica del artista es rica en referencias a otros artistas, el psicoanálisis y la pornografía, así como en la política, la religión, la cultura popular y la historia. Apodado por la Galería Nacional de Victoria como "protagonista principal en el desarrollo de la pintura posconceptual", Dávila desafía las nociones hegemónicas de la masculinidad, los discursos históricos dominantes y los mitos de la identidad nacional.

Juan Dávila, La lamentación: una pintura votiva , 1994, en DOCUMENTA (12) 2007 | © Fulvio / Flickrcommons

Simryn Gill

Nacido en Singapur, Simryn Gill (nacido en 1959) trabaja en escultura, fotografía, dibujo y escritura. El artista es un coleccionista sistemático, y especialmente de libros como objetos de reverencia y disputa. La obra poéticamente crítica de Gill altera los objetos mundanos y los sitios, coleccionándolos en series enciclopédicas que, mediante la repetición y expansión de pequeños gestos, generan afirmaciones rotundas sobre una variedad de cuestiones pertenecientes a nuestra sociedad y cultura modernas, así como referencias a sus experiencias de vida y recuerdos.

Simryn Gill, Scale o Tasha and the Tree, 2005-2014 | Cortesía del artista y Tracy Williams, Ltd., Nueva York

Bianca Hester

La artista multidisciplinaria y colaboradora Bianca Hester (1975) está interesada en la noción de espacio y en cómo lo relacionamos, lo encontramos y lo ocupamos. Su trabajo explora la forma en que se construye el espacio y los ritmos multicapa dentro y entre varios sitios, mientras genera otros ritmos-en forma de movimientos, materialidades y acciones-con el fin de abrir nuevas posibilidades para reconsiderar nuestra interacción con espacio Las obras de Hester surgen de condiciones específicas que implican alteraciones, acciones, construcciones, objetos, colaboraciones y video.

Bianca Hester, Un mundo totalmente accesible sin ser vivo, 2011 | Cortesía del artista y Sarah Scout Presents, Melbourne

Ben Quilty

Ben Quilty (nacido en 1973) ganó el Prudential Eye Award en 2014 por su práctica pictórica, caracterizada por un estilo gestual distintivo y una gruesa capa de pintura. Usando cuchillos de paleta, frota, mancha, pega y golpea la pintura sobre lienzo para crear figuras renderizadas en bloques de colores contrastantes. La obra de Quilty retrata la identidad australiana contemporánea y su juventud lo describe como un personaje autodestructivo de la masculinidad australiana, marcado por las drogas, el alcohol y la imprudencia: imágenes de cráneos, serpientes, gemelos siameses y otros elementos oscuros y extraños que transpiran a través de su lienzos. Quilty también pasó algún tiempo en 2011 como artista de guerra oficial en Afganistán, una experiencia que sirvió de inspiración para algunos de sus retratos de soldados, como el de Sargento P. Después de Afganistán (2012) . La serie Rorschach de retratos se creó utilizando una técnica de pintura particular que crea una monoprint geométrica de pintura al óleo gruesa presionando un lienzo pintado en uno limpio. Inspirada en las pruebas de manchas de tinta creadas por el psicólogo y pionero del siglo XIX en investigación de salud mental, Hermann Rorschach, las pinturas crean un nuevo lenguaje visual.

Ben Quilty, sargento P. después de Afganistán, 2012, Oil on linen, colección: QAGOMA , Queensland | Cortesía de Jan Murphy Gallery, Queensland

James Angus

Inspirado en la arquitectura, el diseño y la naturaleza, James Angus (nacido en 1970) desafía las normas tradicionales de la escultura jugando con el volumen, la escala y la superficie. Su obra abarca desde modesta a gran escala, y revela un interés en materiales y procesos. Las obras de Angus a menudo reproducen formas u objetos existentes, mientras que otras también manifiestan distorsión, como si estuvieran bajo estrés o sometidas a alguna fuerza invisible. Sus tres esculturas Red Cast Iron Inversion (2012), Yellow Pipe Compression (2012) y Orange I-Beam Knot (2012), presentadas en la 19ª Bienal de Sydney (2014), Desmonte los soportes estructurales del típico edificio de la red modernista: la viga en I, la tubería tubular y la placa de metal. Estos elementos se transforman en formas sinuosas, sensuales, anudadas y arenosas, metamorfoseando el metal robusto en un material flexible.

James Angus, John Deere Modelo D, 2013 | © Shelley Bernstein / Flickrcommons

Patricia Piccinini

Artista multimedia Patricia Piccinini (nacida en 1965) trabaja en pintura, video, sonido, instalación, grabados digitales y escultura, y a menudo también encarga a colaboradores especialistas de diversos campos de la industria industrial contemporánea. fabricar. Su práctica discute el impacto de la tecnología en nuestras vidas, y cómo las ideas contemporáneas de la naturaleza, lo natural y lo artificial están cambiando nuestra sociedad. Piccinini está especialmente preocupado por cuestiones de bioingeniería y reproducción humana, y sus implicaciones éticas y sociales. Ella es mejor conocida por sus detalladas esculturas biomórficas de criaturas imaginarias. Estas extrañas distorsiones de la naturaleza tienen una visión visionaria de lo que podría ser el futuro de la humanidad con experimentos sobre genética, hibridación, clonación y otros escenarios científicos. The Stags (2008), por ejemplo, retrata dos scooters como dos animales vivos, en una síntesis de naturaleza y tecnología.

Patricia Piccinini, The Young Family, 2005 | © adampadam / Flickr

Callum Morton

Originalmente canadiense, Callum Morton (nacido en 1965) trabaja con la arquitectura, el modernismo y el impacto emocional y social de los espacios construidos, creando modelos de estilo arquitectónico con la ayuda de habilidades informáticas. Tomando edificios y formas familiares de la historia de la arquitectura y poniéndolas en contraste con sus propósitos originales, a menudo idealizados, Morton cuenta una historia oculta o más oscura. Al transformar la arquitectura y los espacios, Morton elabora sobre la tendencia global de la estética a ajustarse a un estilo internacional, generalmente encontrado en Europa y América del Norte, que influye en las prácticas regionales. Los temas de destrucción, decaimiento y representación visual son recurrentes en su obra. Por ejemplo, en Silverscreen (2006), tales temas se expresan a través de una serie de esculturas inspiradas en la pantalla de cine al aire libre. Morton también hace referencia a su interés en la difusión del modernismo de Occidente y la influencia y difusión de sus formas culturales en todo el mundo.

Callum Morton, Valhalla, 2007, Pabellón de Australia en la Bienal de Venecia 2007 | Cortesía de Anna Schwartz Gallery

Julie Rrap

Julie Rrap (1950) participó en el arte corporal y el performance en la década de 1970, un aspecto de su práctica que continuó influyendo en su trabajo, que pasó a la fotografía, la pintura y la escultura y video Su obra oculta una profunda preocupación por las formas en que se representa el cuerpo, especialmente el cuerpo femenino en el arte occidental, y explora este tema a través de una variedad de medios que desafían las convenciones de forma y contenido. A través de sus interpretaciones visuales de cuerpos transformados, Rrap interroga los símbolos comunes de la feminidad, como en Salir , una escultura de los pies de una mujer cortados en el tobillo y el crecimiento de los tacones de aguja carnosos. El artista aquí insinúa la presión que enfrentan las mujeres para modificar sus cuerpos y adaptarlos a estándares de belleza imposibles.

Julie Rrap, Cargado: Verde # 1, 2012 | Cortesía del artista y Galería Roslyn Oxley9, Sydney

Daniel Crooks

Daniel Crooks (nacido en 1973), trabajando con video digital, fotografía e instalación, estira y distorsiona la realidad como un medio para desafiar nuestra percepción de ella. Sus imágenes complejas y transformadas de espacio y tiempo infunden a la ordinariedad de sus sujetos una nueva dimensión. La manipulación del tiempo de Crooks da la impresión de cruzar su dimensión y sus límites. En sus primeros trabajos, colocó collages finos de imágenes en movimiento para revelar la progresión de la geometría temporal que refracta el tiempo y provocar el ritmo y el movimiento. Para IPMIC, Crooks está trabajando en una comisión que se exhibirá en ACMI en 2016, que se relaciona con su interés de larga data en el uso de trenes en las cámaras y como una extensión de ellos en la historia de las imágenes en movimiento. En particular, el artista explorará el género cinematográfico de los "paseos fantasmas", popular en Gran Bretaña y los Estados Unidos a principios del siglo XX.

Daniel Crooks, Estático No. 12 (busca la quietud en movimiento), 2009-2010 | © Franklin Heijnen / Flickrcommons